_Kitsch-Oddities-Vinyl via Rick Shide on Inoreader

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Artista: Three Souls In My Mind

Álbum: Chavo de onda

Año: 1976

Género: Rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1976), Raff [RF-HR-9027]

Lista de canciones:

LADO A

1. Chavo de onda

2. Déjenos gozar
3. Lo que tú me das
4. He pensado mucho
5. Three Souls boogie

LADO B

6. Todo tiene una razón
7. La gitana
8. Abuso de autoridad
9. Perro negro y callejero
10. Viejas del Distrito Federal

Three Souls In My Mind:
Alejandro Lora - bajista y cantante
Ernesto de León - guitarrista
Carlos Haptvogel - baterista

Sobre el disco (por Gusdan):

La palabra evolución no existía para estos "chavos" y hasta entonces se celebraba que así fuera. "Chavo de onda" es el mejor disco de los Trisouls, su cuarto disco. El motivo de este parece ser: "me gusta el rock y me vale madres lo que piensen todos", con esa premisa arremeten en "Chavo de onda", "Déjenos gozar", "He pensado mucho" y "Adicto a el rock n' roll (Three Souls boogie)". Aunque para un servidor lo verdadero bueno está en "Perro negro y callejero" (fusil descarado, cinico, burlón, de "Uno Ino" de Harvey Mandel) y "Abuso de autoridad" con el mítico "Y las tocada de rock, ya nos las quieren quitar. Ya solo va poder tocar, el hijo de Díaz Ordaz".

La música es sencilla, el mismo Boogie blueseado de siempre; los acordes: los mismos que cuando empezaron; las letras tan directas que hasta tus amigos lelos las podrán entender, y si crees que se pasan de "nacos" estarás en lo correcto, pero esto es rock urbano, callejero, no progresivo de elfos.

Un álbum, que sin inventar nada es buenísimo.

¡Chavos al poder!

- Información adicional del blogspot dedicado a los Three Souls In My Mind:
(http://threesouls.blogspot.com/)

Ahora nos vamos con el cuarto disco del Three Souls que lleva por nombre Chavo de onda. La alineación sigue siendo la misma que en el álbum anterior: Alejandro Lora, Carlos Hauptvogel y Ernesto de León, y las rolas fueron Lado A: "Chavo de onda", "Déjenos gozar", "Lo que tú me das", "He pensado mucho" y "Three Souls boogie", y Lado B: "Todo tiene una razón", "La gitana", "Abuso de autoridad", "Perro negro y callejero" y "Viejas del Distrito Federal". "Toda la música y arreglos son creaciones de Three Souls", o sea de los tres del grupo. Al menos eso es lo que dice la parte posterior del disco, y como dato curioso podemos mencionar que debajo de todos los créditos hay una leyenda que dice: "Este disco debe ser tocado (a) todo volumen" y remata con el dibujo de tres honguitos (¿alucinógenos?). La disquera fue Cisne Raff y este vinil que presentamos tiene fecha de prensado 1976, como dice en la carátula del lado A del plástico, que curiosamente no dice que el material se llama "Chavo de Onda", sino "Sigue la onda gruesa del Three Sols in My Mind. Vol. IV", y que bueno que nos dice más abajito "Tipo de música: rock and roll". Si me permiten hacer un comentario, llama la atención que la grabación es únicamente de los tres instrumentos base, guitarra, bajo y batería, es decir, no hay doblaje, no hay otra guitarra de fondo, sino que cuando se echa sus solos De León, se escucha de soporte nada más el bajo y la bataca, nada más, lo cual hace parecer que se tratara una grabación en vivo. ¡A todo dar!

Saludos desde Mérida

Adán G. Escamilla / Richard Ramírez

Comentarios adicionales:

Complementado lo anterior hay otro instrumento, una armónica en la rola "Three Souls boggie", la cual seguramente fue tocada por Carlos Hauptvogel porque hasta donde sabemos el sabe tocar la armónica, de hecho en los discos del Tres Almas En Mi mente, el toca la armónica en algunas de las piezas. Otro dato adicional es que los coros en la rola de todo tiene una razón fueron hechos por la esposa de Charly Hauptvogel. Y el último comentario es la razón de ser este blog, el equilibrio, los creditos son para Three Souls In My Mind y no para Lora como ahora se dice. Seguramente la letra de las rolas son en gran parte de él, pero la musica, que es la parte chingona del numerito, es de De León, Hauptvogel y el mismo Lora.

Artista: Enmedio

Álbum: Vale ver

Año: 1987

Género: Jazz fusión (¿?)

País: México

Fuente de análisis: LP original (1987), Pentagrama [LPP-085]

Lista de canciones:

LADO A

1. Diálogos con Isadora

2. Para un niño
3. La cuerda q'me diste
4. Cambio de actitud
5. Penas chinas
6. Estanque

LADO B

7. Mecánica
8. Las apariencias no engañan... enganchan
9. Te huelen los pies
10. Los hijos dese... güey
11. Álgebras raras

Enmedio:
Raúl Peñalosa - guitarras
Ma. Helena Saavedra - marimbas
Bosho Bonopel - bajo, guitarras, mandolina
Ivonne Revah - percusión
Rodrigo Villanueva - batería
Alejandra Hernández - percusión

Sobre el disco (por David Cortés, del libro "El otro rock mexicano"):

¿Enmedio? En la portada Pedro Infante en medium shot con traje de charro y contestando el teléfono. ¿Qué es esto? ¿Quién es, quiénes son Enmedio? Mucho oído porque aquí encontramos una frescura desencadenada, un extraordinario sentido del humor desplegado en música instrumental, una fusión a la Penguin Cafe Orchestra sin difusión alguna. Instrumentación: guitarras, marimbas, bajo, batería, percusión. Un corte con saxofón y mandolina ("La cuerda q'mediste"). Cambios de tiempo, valses, jazz, música circense, algo de folk, poco rock -su energía, el espíritu básicamente- y acentos de progresivo. "Cambio de actitud" es como un pop chiapaneco con su marimba tocada tradicionalmente, pero con guitarra punteada jazzísticamente: eso sí, al menos en su principio le sobra empalagamiento, pero conforme progresa adquiere tonos no solo progresivos, sino hasta rockeros.

Moción de mesura. Vale ver no es una maravilla pero para su año de edición (1987) sí se aparta -y por mucho- de los que en ese entonces se hacía en este país. En este disco encontramos a buenos músicos, con oficio y la prueba está en los cambios de tiempo, en la cruza de ritmos, en las influencias ("Penas chinas" mezcla algo de The Ventures con Los Xochimilcas, pero de una manera más formal, sin caer en la caricatura); hay una búsqueda mínima ("Estanque" guarda reminiscencias clásicas). "Mecánica" es un jugueteo entre las guitarras y marimbas en primer plano y sección rítmica y percusiones al fondo.

Tal vez sea exagerado decir que aquí hay ciertas cualidades sonoras que luego encontraremos en Naked City, sobre todo en la intención por trabajar la composición en bloques. Por su parte "Las apariencias no engañan... ¡Enganchan!" remite a King Crimson aunque final se vuelve chauvinista al tocar un jarabe o son. Cierta infusión latina aparece en "Te huelen los pies" y es obvio el subtexto chiapaneco -nuevamente por la prodigalidad de las marimbas-; en "Los hijos dese... ¡Güey!" tenemos otra vez a The Ventures y a King Crimson, así como ciertos matices orientales y hasta un percutir tribal.

Además, los títulos de cada tema son en sí una joya. El corte final, "Algebras raras", tiene algo de vals, de rimbombancia clásica, una guitarra sicodélica -en el solo-, jazz de parte de la marimba y el cierre nos entrega una guitarra a al Adrian Belew, un guiño muy breve para luego dar pie al crecendo.

No hay registro posterior alguno, al menos en el género que nos ocupa, de Raúl Peñalosa ni del resto de sus acompañantes: María Helena Saavedra, Bosho Bonopel (ex Manchuria), Ivonne Revah, Rodrigo Villanueva y Alejandra Hernández.

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Artista: Francisco Barrios "El Mastuerzo"
Álbum: Prohibido
Año: 1995
Género: Folk rock
País: México
Fuente de análisis: CD original (1995), BMG Ariola/Culebra [CDM 743213743523]

Lista de canciones:

1. La mamá de Tarzán
2. El espejo (Cuando tengo 64 años)
3. La Dama de las caguamas
4. El Chueco
5. Oye mija
6. Veneno
7. Más que nada (Se me saltan las venas del cuello y me pongo colorado como chile de perro)
8. La cabeza parlante
9. Corazón
10. Canción de amor
11. En México de noche
12. ¿Qué motivo tuvo?
13. ¡Cuándo vienes a cagar a la casa!
14. ¡Putísima Lionor!
15. Prohibido
16. El corrido del pasamontañas
17. Fuga en mi (O sea pa' dentro)

Sobre el disco:

En paralelo a su trabajo con Botellita de Jerez, Francisco Barrios "El Mastuerzo" decide sacar su primer álbum como solista en 1995. Canciones de su composición para un formato más de "rolero" (también denominados "roleristas") sólo con su voz y su guitarra, que bien podría considerarse una continuación de la herencia Rupestre; estos temas se caracterizan por su lenguaje más de barrio, coloquial y hasta lépero, sin dejar de ser letras inteligentes, mordaces, críticas, que divierten, que cuestionan y que conmueven. Participan algunos músicos invitados que enriquecen notablemente los arreglos y tiene su toque peculiar la producción por el uso de grabaciones diversas en las intros de ciertas canciones que ayudan a contextualizarlas.

Dedicada a todos esos que se creen superiores a los demás, a aquellos presumidos y arrogantes, "La mamá de Tarzán", que cuenta con la estupenda colaboración de Armando Vega-Gil en la armónica y Rafael Herrera en el contabajo. La intro corrió a cargo de Javier Traconis Sánchez, el "grasabolero", que ni en verso ni en prosa, sino en brosa, le palabrea a los que ni más ni menos se pasan de lanza.

La idea de la vida y el amor al pasar de los años desde una perspectiva alejada de lo romántico que anhelaban los Beatles ("When I'm sixty-four"), en la soledad de los arrabales, alejados del primer mundo, de esto va "El espejo (Cuando tengo 64 años)". Aquí los estragos de la edad no nos mienten, la música generada sólo por la guitarra y la voz en esta introspección es acompañada de un efecto de reverberación que parece como salida de ese reflejo del espejo.

No faltan en estos ambientes los personajes marginados, aquellos alrededor de los cuales se forjan leyendas urbanas, como los relatados en "La Dama de las caguamas" y "El Chueco". Ambos temas con melodías bastante buenas, "La Dama de las caguamas" con la colaboración de Cox Gaitán en el violín y "El Chueco" que me recuerda a su rola con Botellita de Jerez de "El Zarco" (la cual cantaba Paco la voz principal), sólo que con un enfoque más serio.

En "Oye mija" se acerca a influencias del son, con las congas del Sr. González y en "Veneno" se decanta un poco más a la trova, sin dejar su espíritu roquero presente en su interpretaciones y letras. Regresa un poco a sus orígenes en la nueva canción o canción de protesta, ambiente en el que empezó El Mastuerzo con el grupo Los Nakos, para cantarnos "Más que nada" y "La cabeza parlante".

Canciones para el lado sensible del artista con "Corazón", "Canción de amor", que pese a lo obvio de su título se aleja del lado cursi de este tipo de canciones y más bien tiene un enfoque erótico, y "En México de noche", donde se inicia con una grabación de Gloria Edith (hermana de Paco Barrios) con el conjunto Blanco y negro de Beto Alfaro, para después dar paso a la inconfundible voz de Armando Vega-Gil que, con un grito ranchero-blues, más las guitarras de Santiago Ojeda, pone el ambiente apropiado para esta canción de anhelo a la mujer amada.

Por el lado más lúdico llegan "¿Qué motivo tuvo?", donde juega con las aliteraciones y los pleonasmos, acompañado únicamente por voz, tarola y bombo; "¡Cuándo vienes a cagar a la casa!", con el inconfundible piano de Briseño y el contrabajo de Rafael Herrera, y "¡Putísima Lionor!", la cual tiene el arreglo más ambicioso en el disco con banda de rock completa y hasta metales (trombones, trompetas y saxofones, uno de ellos a cargo del legendario Arturo Labastida "El Papayo").

A continuación la pieza que da título al disco y quizás la obra máxima de Francisco Barrios, que es igual la más reconocida de su carrera como solista: "Prohibido". Una canción dedicada a todos aquellos disidentes, a aquellos excluidos y explotados que luchan, que se rebelan por querer encontrar justicia. Es de igual manera bien sabido que esta canción se la dedica Barrios al Subcomandante Marcos y a todo el movimiento del Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) que por aquel entonces cumplía un año de haberse gestado y el cual desde un inició había recibido apoyo de diversos grupos de rock, incluyendo Botellita de Jerez, quienes participaban en conciertos que se organizaban a beneficio del movimiento zapatista.

Este apoyo se hace más evidente en "El corrido del pasamontañas", que contiene grabaciones de discursos distorsionados y de los noticieros que anunciaban las ordenes de aprensión contra los líderes del movimiento. Cierra el ábum con un breve tema de despedida, "Fuga en mi (o sea pa' dentro)".

Un disco espléndido donde el Mastuerzo nos canta y les canta a todos aquellos que no quieren oír, sin pelos en la lengua, directo y preciso. Demostrando que estamos ante uno de los letristas más destacados de rock de nuestro país y de paso demostrando que la esencia del género no está en las grandes producciones ni en los instrumentos que impresionen con decibeles, sino en el enfoque para decir las cosas, de alguien realmente comprometido con las causas sociales.

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Artista: Leticia Servín
Álbum: Sueño rock
Año: 2004
Género: Folk rock
País: México
Fuente de análisis: CD original (2004), Independiente

Lista de canciones:

1. Al carajo
2. Eriza
3. Certeza
4. Magic
5. Alfiler
6. Prólogo
7. Tus labios
8. Me sentí muy hombre
9. Canción del melón
10. Dentadura
11. Ondea
12. El no lugar
13. Caracol

Sobre el disco (por Jorge Caballero: La Jornada, México D.F. Martes 22 de junio de 2004):

Antes de entrar al estudio para grabar su quinto disco original Leticia Servín soñó que seguía a una mujer de luz por Ciudad Guzmán, Jalisco, pero por más que corría no lograba alcanzarla. Entonces una jirafa del zoológico de Morelia llegó a auxiliarla; subió al cuello del animal y la persecución continuó, pero ni así pudo emparejarse con la mujer de luz. Contó el sueño a los músicos que la acompañan en este material y Porfirio Almazán le sugirió titularlo Sueño rock, ya que en esta producción la cantautora dejaba su sonido acústico y se electrificaba.

En realidad Sueño rock, explica Servín, "no lo hice para irme al rock, sólo hice un disco en el que reuní canciones. Es una metáfora de algo que no existe, a la que le metí batería, que es una característica del rock, género que tiene algo que levanta, que actúa de inmediato".

"Hace tres años que vine a vivir a la ciudad de México y fue una experiencia de contraste muy fuerte para mí, entonces esta selección de canciones obedece a esa reacción, porque la ciudad me empujaba hacia una actitud más activa que pasiva. Cuando recién llegué tocaba sentada con mi guitarra, no tenía movimiento porque en provincia recibimos más la música de concierto y tenemos una actitud premeditada a escuchar, aquí he aprendido mucho de los escenarios que he pisado, de la gente que me escucha, de las cosas que me dicen cuando actúo y, sobre todo, lo que he visto desde que llegué, lo que me ha hecho pensar y desembocó en estas canciones".

En el librillo del disco viene una fotografía de Leticia montada en la jirafa de su sueño, al respecto afirma: "Es un fotomontaje, las proporciones serían como si me subiera a un dinosaurio. Cuando le llevé el disco a mi mamá me regañó, '¡hija pero qué andas haciendo!', me dijo".

En este momento de la entrevista la autora de Mundo matraca señala que para realizar este disco hizo "un plan totalmente nuevo, con canciones que se fueron acumulando y refresqué la senda que he recorrido para ofrecer algo distinto al público que me ha escuchado, para esos que pagan su entrada para verme cantar; en ellos pensé cuando hacía el disco".

- Ni rolera ni trovera

El género que toca Leticia Servín no se enmarca en el rolero ni trovero ni rupestre ni rocanrol; tajante Leticia menciona: "Nunca he sabido hacer música clasificada, lo que sí hago es música con sentimiento, de las cosas que veo, todo lo que se atraviesa ante mi mirada; me han invitado a tocar desde roqueros, roleros y rupestres. Pienso que tenía una idea original muy clara que se modificó en el transcurso del trabajo. Los músicos que invité a participar en este disco aportaron muchas ideas, a las cuales estuve muy abierta, no escribí ninguna partitura para que siguieran una línea, lo que hice fue un cifrado de la armonía de las canciones y cada músico hizo un arreglo, así que fue colectivo; de eso sí me dejé sorprender mucho, cada uno de ellos se discutió con su instrumento, se fueron a estudiar a su casa y regresaron con un arreglo, el material tiene mi nombre, pero en realidad es el trabajo de muchas personas".

La cantautora confiesa que esta colectividad en Sueño rock salió porque "a mí me gusta tocar muchas veces la misma canción, que cada uno de nosotros tome su instrumento y hagamos gorda una canción. Me parece un regalo esa armonía de varias mentes trabajando de varias manos, esa energía me electrifica".

- Ejercicios literarios

Además las letras de este disco junto con las del anterior, "Mundo matraca, son ejercicios musicales y literarios a los ojos de mucha gente; conservo mis raíces y no he tenido ninguna otra dirección más que mi mente, es decir, lo que creo y pienso, lo he seguido haciendo, pero con un poco más de experiencia, que siempre te vivifica".

Sobre la decisión de producir nuevamente el disco, Leticia menciona: "En este disco vuelvo a hacerla de productora, no soy muy paciente para ir con un productor para hablarle y cantarle. Desde hace rato tomé la decisión de hacerlo yo misma con toda la responsabilidad y asumiendo todas las consecuencias que conlleva ser productora. No es un trabajo fácil, cada vez admiro más a productores que me han inspirado, pienso que por algún lado comenzaron sin saber nada; humildemente es una producción pensando en los sonidos y en las palabras como una unión. Busqué un estudio que me diera la calidad para grabar unas baterías en vivo, unos bajos profesionales, guitarras y voces; mucha gente me ayudó para pagarlo; el día que fuimos a sacar el disco de la maquila me faltaban 50 pesos y la vecina me pagó 100 pesos y con eso completé, agarré de todos lados, conté con el apoyo de mucha gente, fue como cumplir un sueño imposible, por eso también el nombre del disco.

"Es un disco de amor, porque las canciones Cerveza y Caracol son un canto para la espera, el sin lugar... lo que he visto desde niña, a los nueve años me tocó ir a cortar limones e ir a venderlos al mercado porque mi situación era dura, ahora con el trabajo he confirmado que no hay acción sin consecuencia; las cosas son difíciles hay personas que no tienen posibilidades en la vida, afortunadamente yo las he tenido y Sueño rock está marcado con la mirada hacia lograr las cosas, de no detenerte y luchar hasta conseguir lo que quieres".

-¿En qué nivel creativo se encuentra?

-Tengo muchas canciones guardadas, como para otro disco. Me encuentro más segura, más comprometida conmigo misma. Hay gente que espera cosas de mí, pero no me quiero comprometer a lo que creo es importante decir, más allá de complacer a alguien quisiera hacerlo con la música, que es mi madre, a lo que he apostado mi vida. Antes cuando me presentaba en un escenario cantaba y la sorpresa me llegaba después, ahora cuando canto como que hay una expectativa de cumplir o no, hay gente que me pone nerviosa. Me encuentro en un lugar firme, cada palabra de Sueño rock está pensada y analizada desde mi trinchera, un momento de madurez sostenida con tres lazos, muy segura de ellos.

El disco se puede conseguir en las Cafebrerías del Péndulo, en la sección de novedades. "Como me voy a Alemania no me alcanzó para ofrecerlo en otros lados, pero se pueden dirigir a leticiaservin.cjb.net ahí encontrarán más contactos.

Artista: Newspaper

Álbum: Rock

Año: 1984

Género: Rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1984), independiente [NP-001]

Lista de canciones:

LADO A

1. Qué me notas

2. La fiesta
3. Qué borrando acho
4. Mi chava quiere hacer el amor
5. El blues de Julio

LADO B

6. Cuidado
7. Urgido de sexo
8. Ninfomatraca
9. Todas las viejas son igual
10. Sólo quiere reventar

Newspaper:
Alberto Basurto - guitarra, coros
Alberto Reynoso - batería
Julio Mendoza - guitarra
Tenoch Ramos - voz
Arturo Iturbe - bajo, coros, armónica

Sobre el disco (por Sr. González, del libro "60 años de rock mexicano, vol. 2"):

Unos jóvenes preparatorianos y patinetos del sur de la Ciudad de México decidieron hacer un grupo de rock para participar en un concurso que se haría en el Colegio Franco Español en 1980. Ellos eran Tenoch Ramos (del Colegio Madrid e hijo de un abogado) en la voz y armónica, Alberto Basurto y Julio Mendoza en las guitarras, Arturo Iturbe en el bajo y Alberto Reynoso en la batería. Aún siendo caros los instrumentos y difíciles de conseguir, lograron hacerse de un equipo elemental y montaron un tema de Chuck Berry. Compitieron junto a grupos como Mistus y Anchorage, que cantaban en inglés.

Decidieron seguir y hacer sus propios temas. Eran tiempos en los que existía mucha confusión sobre cantar en inglés o en español. Tenoch, que era fanático de Three Souls In My Mind, quería hacerlo en español y ponerle al grupo el nombre de algo común y cotidiano como "periódico" o "ministerio público". Al final optaron por un nombre en inglés: Newspaper. Aunque, eso sí, cantarían en español. Su sonido se tornó pesado y Tenoch comenzó a crear letras que narraban las historias de adolescentes, con una gran dosis de desmadre y testosterona.

Al final de un concierto, en 1983, el baterista del grupo de rock progresivo Manchuria, Gerardo Pardo, invitó a Tenoch a actuar en su ópera prima: La película "Deveras me atrapaste". La propuesta fue de que actuara en de sí mismo; es más, su personaje se llamaría Tenoch y sería la pareja de Laura, interpretada por Anette Fradera.

El sueño de Newspaper, como el de muchas bandas de entonces, era hacer un disco. Esto era sumamente difícil y caro en esos días, pero sus amigos de Mistus lo habían logrado y eso los motivaba. Tuvieron la suerte de dar con Javier Garza, exintegrante de Los Locos del Ritmo, quien los apoyó. En esos días, él trabajaba en un estudio de Cuernavaca, Morelos, en lo que había sido la casa del Sha de Irán, cuando vivió en México como exiliado político, derrocado por el Ayatola Jomeini. Grabaron durante las noches, en los tiempos muertos del estudio, y regresaron a la Ciudad de México para mezclarlo en los Golden Estudios.

Fue así como en 1984, Newspaper lanzó Rock. Si era difícil lograr sacar un disco, también lo era comercializarlo. Ellos mismos se encargaron de distribuirlo en el Tianguis del Chopo y lo vendían en sus tocadas. En la actualidad es un material codiciado por los coleccionistas.

En ese año tocaron en el Foro Tlalpan, un lugar dirigido por el cineasta Sergio García Michel, quien invitó a Tenoch a una de sus obras, la película hecha en Súper 8, "Un toque de roc", junto a otros roqueros como Botellita de Jerez, El Tri, Chac Mool, Jaime López, Rockdrigo, Cecilia Toussaint y Nina Galindo. Esta cinta fue estrenada hasta 1988.

Las circunstancias comenzaron a cambiar hacia el final de 1984. Por un lado, Arturo y Alberto habían entrado a la universidad y ya no se dedicaban al grupo de la misma forma. Tenoch, como salida de ciertos problemas ocasionados por el consumo de alcohol, decidió viajar a Londres, Inglaterra, para aprender a tocar la trompeta. Una lesión en el labio y la falta de dinero lo desmotivaron a tal grado que regresó a México en 1989, retirándose definitivamente de la música. La idea latente de retomar Newspaper se esfumó entonces.

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Artista: Toño Quirazco
Álbum: Jamaica ska
Año: 1965
Género: Ska
País: México
Fuente de análisis: CD reedición (2008), Dimsa [CSM-249]

Lista de canciones:

1. Jamaica ska
2. Mérida ska
3. Tutiricumbanchi baila ska
4. La Múcura
5. Ska hawaiiano
6. La familia
7. El vendedor de melones
8. Ska de los santos
9. Moscú ska
10. Pepe El Navaja

Sobre el disco (por Armando Molina Solís*):

El veracruzano Toño Quirazco (era de Xalapa, Ver.) nunca se imaginó que el ritmo de ska que el introdujo en México en los 60's y 70's iba a resurgir con tanta fuerza en el mundo y particularmente en México, en donde muchas bandas surgieron ya hace casi dos décadas para convertirse en consentidas de cierto público y que si en sus inicios sonaban no muy bien que digamos, con el paso del tiempo han madurado y su calidad actualmente traspasa fronteras.

Quirazco se presentó en algunos salones de baile, realizó una temporada en el Bar Cartier y actuó en el Hotel Diplomático, además de contar con varios discos grabados con muchas melodías de su autoría; se presentó en muchos programas de TV e impuso su ritmo aunque no llegó a ser tan popular como lo son ahora las nuevas agrupaciones dedicadas a la ejecución de este ritmo de origen jamaiquino.

Su compañía grabadora mandó a Quirazco a Jamaica para que aprendiera las bases del ska como ya lo hacían los Skatalites que son una banda bastante antigua, en tanto que Madness apareció a principios de los 80's.

Quirazco tocaba el piano pero para imprimirle un sabor y sonido diferente ejecutaba con destreza la guitarra hawaiana y se hacía acompañar en los coros por su grupo y por unas coristas llamadas Las Gemelas de Oro que dominaban los pasos de baile del ska, lo que no veo que hagan los danzantes actuales.

*Representante de varias de las bandas importantes de la década de los setentas (El Ritual, Peace & Love, Bandido, Three Souls In My Mind) y organizador del Festival de Avándaro.

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Artista: Eblen Macari

Álbum: Música para planetarios

Año: 1987

Género: Ambient, Folk, Etno-Rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1987), EMI [LME-443]

Lista de canciones:

LADO A

1. Planetarios / Tres gringos perdidos en la selva / Viaje en Topolino por los caminos del sur / El pirata de Grijalva / Los sueños del pirata

2. Supernova en Macuspana

LADO B

3. Constelación del pejelagarto (Bambuco)
4. El grito de la lluvia
5. Lux aeterna

Sobre el disco (por David Cortés, de su libro El otro rock mexicano):

En 1986 Eblen Macari se encontró con Jorge Reyes y colaboró con él: encuentro fundamental en el futuro del guitarrista. Macari relegó su guitarra para concentrarse en los sintetizadores. Música para planetarios (1987), su siguiente producción, fue un producto equilibrado, sugerente, con una propuesta articulada y fresca que marcó el ingreso del compositor a ese archipiélago en donde Jorge Reyes y Antonio Zepeda generaban la ilusión de una escena cohesionada. La utilización de algunos recursos de tipo étnico creaban la impresión de que Macari se adentraba en los colores prehispánicos; sin embargo, se avanzaba la tendencia que en sus trabajos futuros habrá de ser su impronta: la creación de texturas.

La composición inaugural de Música para planetarios es un hito en el progresivo mexicano y refrenda el sentir de Macari de que finalmente este "va caminando hacia una expresión propia" (Entrevista con Eblen Macari, 1994). "La constelación de pejelagarto (Bambuco)" -en donde curiosamente Macari no participa- condensa una variedad de elementos sonoros de manera orgánica. Las percusiones, cantos y bailes de Tribu se contraponen al jugueteo del sintetizador de José Luis Almeida, mientras el clavecín de Olga Martínez, con sus tonalidades clásicas, se ve envuelto por los sintetizadores, las voces y la guitarra de Arturo Meza.

Pero además de este corte destaca "Planetarios", una de las composiciones en donde se afianza la vocación descriptiva de Macari ya esbozada en "Glaciares". Aquí el guitarrista maneja la desolación, la sensación de miedo ("3 gringos perdidos en la selva"); con ocarinas y percusiones fabrica un ambiente semiselvático ("Viaje en topolino por los caminos del sur"); imprime un carácter onírico y reposado a "Los sueños del pirata" y se introduce en los territorios cósmicos -aderezados con un fasto percusivo- en "Supernova en Macuspana".

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Artista: Varios

Álbum: Música prehispánica y mestiza de México

Año: 1968

Género: Prehispánica, Folclor

País: México

Fuente de análisis: LP original (1968), RCA Victor [MKS-1773]

Lista de canciones:

LADO A

1. Prof. Federico Hernández - Flauta Azteca.Teponaztli, cascabeles y sonajas

2. El Príncipe Azteca - Adoración al Sol
3. Prof. Federico Hernández - Flauta grande de Colima y Caracol Azteca
4. El Príncipe Azteca - Ritual consagrado a los Dioses
5. Los Concheros de Ernesto Ortiz Ramírez - Alabadas sean las horas
6. Prof. Federico Hernández - Flauta, Ocarina y chirimias

LADO B

7. Grupo Autóctono - Danza Autóctona
8. El Príncipe Azteca - Alegría de Xochiquetzal
9. Prof. Carlos Boilés - Flauta triple de Tenenexpan
10. El Príncipe Azteca - Danza de la Paloma
11. Los Concheros de Ernesto Ortiz Ramírez - Señor San Miguel
12. El Príncipe Azteca - Tonantzin - Nonantzine

Sobre el disco (de las notas del disco):

Eran los antiguos mexicanos seres que gustaban de cultivar las bellas artes. La literatura, la escultura, la pintura y la música fueron manifestaciones artísticas que florecieron, siempre bajo el amparo de deidades que, como en la antigua Grecia, fueron creadas para velar por su buena marcha. En el México prehispánico donde vivían hombres regidos por un férreo sistema de castas, entre las cuales, como es de suponerse, los artistas tenían, al igual que los guerreros, un sitio privilegiado.

Son muchas, y muy importantes, las manifestaciones de tipo cultural y artístico que esos hombres legaron al futuro. Y, muy especialmente, destaca su música, íntimamente ligada con la vida y la muerte, siempre en constante evolución. Rebaando la etapa de las percusiones crearon, mucho antes de la llegada de los conquistadores españoles, expresiones en las cuales la música de de aliento infundía una riqueza sonora extraordinaria a la música indígena.

En este álbum se presenta una muesta de la grandeza musical de México antiguo, resultado de la alta disciplina y los conceptos elevados del perfeccionamiento del hombre, que fueron las normas de las escuelas de música de los Aztecas, y la herencia actual de la síntesis de las dos grandes corrientes culturales que forman nuestro folklore actual, la indígena y la mestiza.

He aquí una serie de improvisaciones, utilizando instrumentos prehispánicos auténticos, desde caracoles, ocarinas y flautas simples, de barro, hasta el extraordinario instrumento polifónico, una flauta de tres tubos, de Tenenexpan, Veracruz, que muestran algunos de los amplios recursos musicales descubiertos y empleados por los antiguos mexicanos desde la época clásica, además evocando bellas y exóticas imágenes en la mente del oyente.

La melodía de las flautas de carrizo y de barro, y los ritmos de los Teponaztlis y el Tlalpanhuehuetl, los tambores característicos de los Aztecas, fueron enriquecidos con el arcoiris armónico de la guitarra española después de la conquista, y cuya belleza en conjunto podemos apreciar en los sones de la danza religiosa de los Concheros.

Esta danza, de origen Chichimeca, se baila todavía en todo el centro de la República en las fiestas religiosas cristianas. Sin embargo, en el alma de los danzantes más ancianos esta música representa diversos aspectos de reverencia hacia las divinidades de le época Azteca, y muchos de los ritmos y pasos de los danzantes conservan fuertes rangos prehispánicos. Los atavíos de los danzantes representan, combinando elementos de su fantasía con motivos antiguos indígenas, los lujosos y bellos atuendos de los reyes, sacerdotes y guerreros de aquella época.

Artista: Enigma

Álbum: Enigma (El morado)

Año: 1981 (1971-1977)

Género: Hard rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1981), Enigma Discos [ENG-7001]

Lista de canciones:

LADO A

1. El gato callejero

2. Acción rocanrolera
3. El necio
4. Perdedor
5. Telepatía

LADO B

6. Fantasmas
7. Hola malos tiempos
8. Salvación
9. Aquí voy
10. Aviéntate

Enigma es:
Sergio Acuario - bajo
Héctor Virgo - batería y percusiones
Carlos Escorpión - acompañamiento
Pablo Cáncer - voz y requinto

Sobre el disco:

El segundo disco de larga duración del grupo Enigma, publicado en 1981, consiste en una compilación de varios de sus temas grabados durante la década de los setentas. A diez años de distancia de su primer producción, con la que ya tenían un lugar asegurado en la historia del rock mexicano como pioneros del primer tema de Heavy metal con "The call of the woman", la principal diferencia radica en que ahora todos sus temas son cantados en español.

Con un sonido plenamente hardroquero, que ellos definen en posteriores producciones como rock duro y pesado, muy marcado por sus riffs de guitarra eléctrica, siempre muy efectivos. A diferencia de otros de sus contemporáneos no se percibe en su estilo influencias de tonos sicodélicos, solo la distorsión de la guitarra, que tampoco es saturada, es suficiente.

Los ritmos en la batería también son un aspecto a destacar ya que, sin tener aires protagónicos, estos proporcionan acentuaciones y remates precisos que enfatizan más la fuerza de su música y la diferencían de una banda más de influencia blusera como los Three Souls.

Otro aspecto destacable en el grupo son sus letras, pues además de ser de los primeros grupos de rock duro en cantar en español (junto con Náhuatl y los Dug Dug's) éstas no se perciben tan inocentes o ingenuas. Tampoco es que sean de los grandes letristas del rock y aunque es común que esta clase de grupos flaqueen en este rubro, las letras de Enigma tienen cierto enfoque existencialista sin ser rebuscadas ni pretenciosas. Es decir, muy adecuadas para la música que hacen y para su público que constaba principalmente de jóvenes de los barrios populares de la ciudad.

Sin ser una voz sobresaliente, la voz de Pablo Cáncer (Q.E.P.D.) está hecha a la medida para sus composiciones con su peculiar y distintivo timbre. Sus interpretaciones tiene esa carga emotiva precisa para estremecernos a la vez que el ritmo nos atrapa.

Un álbum disfrutable de principio a fin, cuyos temas pareciera que fueron concebidos conjuntamente para armar este compilado. Rock duro y pesado para disfrute de los oídos rocanrroleros.

Artista: Tex Tex

Álbum: Perdidos

Año: 1990

Género: Rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1990), Discos Gas [GAS-4212] + CD reedición (1997), Dimsa [CDN-13580]

Lista de canciones:

LADO A

1. Perdido

2. Deja en paz mi corazón
3. Preso
4. Blues del borracho
5. Barrio pobre

LADO B

6. Vacas
7. Corrido
8. Amigo
9. Artesano de la construcción
10. Un tipo guapo

Tex Tex:
Lalo Tex - guitarra, voz y coros
José Luis Tex - bajo, voz y coros
Paco Tex - batería, voz y coros

Sobre el disco:

Regresan los muñecos con más de su "rock ejidal" en esta su segunda producción titulada Perdidos y editados nuevamente por la compañía Discos Gas. Los Tex Tex que como dijera el muñeco mayor (Lalo Tex, Q.E.P.D.) "no somos Texas, Texas, como algunos creen, confundiéndonos con nuestra apariencia, nosotros somos de Texcoco, Texcoco".

A continuación un artículo de la revista Banda Rockera respecto al evento para la presentación de este su segundo material, que igual significaba el festejo de sus cinco años juntos, para darnos una idea de la importancia del grupo en la escena de rock nacional:

- Cuando los muñecos llegaron a la pubertad (por Mercury)

Los alivianados Texcoco Texcoco nos invitarían a celebrar junto con ellos sus primeros cinco años de ser Tex Tex y de paso, ya encarrerado el ratón, celebrar la salida de su segundo larga duración. El lugar sería el Rock Center, en persona Lalo iría recibiendo a sus invitados y así uno a uno, o todos en bola, nos haríamos presentes.

Entre otros Óscar Sarquís, J. L. Pluma, El Oso, El Guadaña, Malacara, Erick, Carlos, Sergio y Edgar, o sea los Next completitos, Choluis, Alejandro Vázquez, los Heavy Nopal, los Auster, Lalo Jiménez de Branda, gente de Crista Galli, Carlos Arellano, Pepe Elorza, Rafael Catana, Enciso, Ricardo, Toshiro y Charlie de Mara, Pepe Navar, Rodrigo de Oyarsabal, el Mastuerzo, B. Saucedo y Laura, Fernando Ábrego de Real de Catorce, gente de Ansia, Marco Antonio Rueda, David Cortés, Martha Luz, Gabriel y por supuesto los Banda Rockera. Como ven buena parte del medio roquero acompañaría a los Tex Tex y creo que se lo merecían.

Para eso de las diez de la noche el lleno era total, la fiesta estaba de ambiente, aquello se pondría de lujo conforme avanzaban las horas, los Tex Tex tomarían el escenario y no bajarían de él. Después de recetarnos casi por completo el material de Perdidos y Un toque mágico, por ahí se sacarían de la manga "La granga" de los ZZ Top y para cuando subió el Papayo a echar la paloma descargarían con unos rocanrroles, acá de purito miedo, vaya manera de hacernos mover. Al rato se subiría el Nopal mayor, Rodrigo, y que entre otras le llegaría al material de su antigua banda Dama, para terminar con una versionsota a la clásica "Gloria", que sería cantada muy a la manera del nopálico Rodrigo. Y el prendidón continuaría ya bien entrada la madrugada, convirtiéndose la reunión en un fiestón marca diablo, después de la partida del pastel, la presentación del video, los brindis por otros cinco años más para los Tex Tex se darían uno tras otro.

Los muñecos demostraron ser buenos anfitriones y sin pensarlo dos veces echaron la casa por la ventana, compartiendo con sus cuates estos dos brillantes momentos de su carrera, cinco años como grupo y la aparición de su segundo larga duración. Felicidades Tex Tex y vamonos por el tercer disco y otros diez años como agrupación, bien se lo merecen.

- Arte adicional:

Portada CD reedición (1997), Dimsa.

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Artista: Varios
Álbum: Easy melodías
Año: 1999 (1960's, 1970's)
Género: Canción novedad, Mambo, Yé-yé, Chachachá, Danzón, Bossanova
País: México
Fuente de análisis: CD original (1999), Tómbola! Recordings / EMI [7 24352 04362 0]

Lista de canciones:

1. Manuel "Loco" Valdés - Introducción
2. Gustavo Pimentel - El Magazo
3. Miguel Ramos - Yummy Yummy Yummy
4. Eduardo Davidson - Mueve el dinero
5. Ajo y su órgano oriental - Black is black
6. Sergio Pérez - VenusVallet Hippie
7. Robertha - El Tonto de la colina
8. Mister K - Jig a la mode
9. Manuel “Loco” Valdés - Médico Brujo
10. Tío Gamboín - Los gatitos
11. Los Tropicanos - My sweet lord
12. Los Polivoces - El modesto Gordolfo
13. Marimba Orquesta Virreynal de Hugo Reyes - Get up and boogie
14. Eleazar García “Chelelo” - Pelos Bill
15. Ernesto Hill Olvera - Un viejo amor
16. Banda Plástica de Tepetlixpa - Yesterday
17. Germán Valdés “Tin Tan" - Personalidad
18. Sergio Pérez - Sweet city woman
19. Mónica - Cambia tu disco

Sobre el disco (por Mauricio Esparza "Micro", creador del compilado*):

A principios de los años noventa comencé a coleccionar discos LPs muy bizarros (raros). Sobre todo buscaba cosas mexicanas absurdas, como bandas de pueblo, marimbas, organilleros… Entre más excéntrico mejor. Me peinaba el tianguis La Lagunilla, todos los mercados y las ventas de garage, compraba discos por montón. Era un momento en que los LPs se devaluaron por la llegada del CD, así que encontrabas discos en vinilo a partir de 2 pesos. Llegaba a mi casa con muchos que yo no tenía ni idea de que eran, los escogía por las portadas más curiosas y revisaba el tracklist en busca de covers. Obviamente en la mayoría no encontraba nada que valiera la pena, pero de pronto por ahí aparecía una canción genial que me arrebataba una carcajada y eso para mí era oro molido.

De todo esto hice un cassette con los greatest hits para regalar a mis amigos. Así fue que un día Quique Rangel (Café Tacvba) me comentó que conocía a alguien que podría estar interesado en editar esta recopilación en forma, y me presentó a un chavo llamado Camilo Lara (hoy la mente detrás del IMS) que trabajaba en EMI music. La química con el joven Lara fue inmediata, además uno de mis mejores amigos, Jorge “Negro” Hipólito, trabajaba con él. Éramos las personas indicadas, con el proyecto indicado, en el momento indicado, en el lugar indicado.

Y justo cuando todo era felicidad vino un cambio en EMI, entró como Director General Arturo López Gavito (sí, el de La Academia). Camilo me comentó que posiblemente se cancelará el proyecto porque no creía que a la nueva dirección le prendiera un proyecto tan bizarro y cutre. Sin embargo le encantó a Gavito, se prendió como niño con juguete nuevo y se involucró en todo. Incluso incrementó el presupuesto para publicidad y así fue como invitamos al Loco Valdés a hacer la imagen de la campaña.

Finalmente el disco fue un fracaso. Generó opiniones encontradas, por ejemplo Uili Damage escribió una reseña alabándolo, pero hubo quien no entendió y dijo: “Es la cosa más fea que se ha editado en la industria seria” (cosa que me hoy parece un halago). Algún tiempo después comenzaron a surgir proyectos similares no sólo en la música, por ejemplo, se rescataron cosas de la estética callejera, los famosos Sensacional de Diseño y tal. Me gusta pensar que de alguna manera, con nuestro granito de arena, picamos piedra en un concepto que hoy es un lugar común.

El Easy Melodías a últimas fechas ha aparecido en algunos blogs con etiqueta de álbum de culto. Es el único disco que he producido y fue la primer portada que diseñé. En lo personal me dejó historias, anécdotas que involucran a personajes de altísimo nivel, como Meme y Quique en la producción, el Negro, Gavito, El Loco Valdés, etc. Y sobretodo haber iniciado una amistad y relación de trabajo con Camilo Lara, que comenzó con este proyecto y que a la fecha sigue vigente. Hace unos días me pidió diseñar la invitación para su boda, como siempre es un honor.

*http://noiselab.com/blog/editorial/easy-melodias-por-micro/

Artista: Tex Tex
Álbum: 3
Año: 1992
Género: Rock ejidal
País: México
Fuente de análisis: LP original (1992), Discos Gas [Gas-4265] + CD reedición (año desconocido), Distribuidora Rilo's [CSM-0060]

Lista de canciones:

LADO A

1. Paredes
2. Lobo de mar
3. Martín Rocka
4. Cosas de hotel
5. Despedazado

LADO B

6. Ya te rogué
7. Boogie de la frontera
8. Pancho, Panchito
9. Octubre
10. Jalale al ganzo

Músicos:
Lalo Tex - guitarra, voz y coros
Jose Luis Tex - Bajo voz y coros
Paco Tex - Batería, voz y coros
Músicos invitados ver contraportada

Sobre el disco:

Al parecer no hay mucho que decir sobre el título de este tercer material de Tex Tex, simplemente se llama: 3. Curiosamente si revisamos en internet, existe poca información sobre este material, sólo lo mencionan como el disco anterior al excelente "En concierto" y posterior al "Perdidos", que mostraría al grupo ya muy seguro sobre su material después del primero "Un toque mágico".

En el 90 graban "Perdidos" ya con toda la confianza de la compañía Discos Gas, ganan el premio como mejor canción del año de los premios nuestro rock y viene la primera incursión a los Estados Unidos tocando en el teatro Roxy de Hollywood en Los Ángeles y en Ocean Side, California. Regresan al estudio y editan el "Tex Tex 3", hacen tocadas por todas partes de la República Mexicana: Mérida (Yucatán), Chiapas, Guadalajara, Monterrey, etc., etc. Así como diversos programas de T.V. y radio de la época que son conocidos a nivel nacional.

Primero, ya estaban establecidos como grupo. Segundo: ya habían probado que su material gustaba a la banda. Tercero: podían componer material de manera constante.

Pero regresemos al asunto que nos atañe. Como decía, al parecer no le dan demasiada importancia a este disco, pero nos da una perspectiva, digamos clara, sobre los temas que tratará el grupo en sus materiales durante más de 30 años, así que revisemos…

La portada, no hablemos mucho sobre la portada, una foto de ellos en un bar con traje, botas sombrero, y la contraportada el mismo bar sin saco y con sombrero... cotidianidad (?).

Pieza # 1: Paredes.

Rocanroll básico, solos de sax y guitarra -llamado respuesta-. Hablando sobre lo cotidiano de el fin de siglo (el pasado), sales de casa, está el amor, la protesta política, las huelgas, la guerra, el fin del comunismo, y la pinta de paredes, ya sea políticas, sociales, etc. Simplemente el lenguaje visual de la ciudad, permeado de lo cotidiano de finales de los 90's.

Pieza# 2: Lobo de mar.

Balada rock ejidal, una rola narrada por un viejo lobo de mar, ahogándose en lo profundo del amor.

Pieza# 3: Martín Rocka.

Una bio-rola sobre un migrante, del pueblo a la ciudad, con el deseo de ser saxofonista de rock y su triunfo, pues llegó a tocar con los Rolling Stones. También en la rola se habla de el viejo mito del músico que hace pacto con el diablo para ser un músico, recordemos a el blusista Robert Johnson.

Pieza#4: Cosas del hotel.

Rock and roll potentísimo, historia de sexo casual en hotel de paso, usando al rock como lubricante sexual, tiempo y ritmo, sexo y rock and roll, no más.

Pieza#5: Despedazado.

Balada blues, desamor de un borracho, sexo contenido, grito no contenido de un pinche borracho enamorado incapaz de dejar de tomar, pero cantando su tristeza.

Pieza#6: Ya te rogué.

Balada jazz-rock con unos riquísimos arreglos de metales, algo de scat, el amor cínico de macho enamoradizo, bonita rola con muy disfrutables solos.

Pieza#7: Boogie de la frontera.

Lo primero que se nota que no es el clásico refrito de boogie, poner atención a la guitarra, una mezcla de ranchero, boogie y country (o lo que los Tex llamarían boogie ejidal). Temática: mojado fronterizo, un fuerte aroma a ZZ Top, en versión ranchera.

Pieza#8: Pancho, Panchito.

Clásica rola sobre el héroe de barrio, el enfrentamiento entre la policía y el pandillero, muerte y deificación del luchador callejero.

Pieza#9: Octubre.

El Tex Tex pone su granito de arena (o notita de rock) a la indignación y al no olvido del 68 en la plaza de las 3 culturas.

Pieza#10: Jálale al ganzo.

La rola básicamente habla de: Masturbación, chaqueta, dedeo, Manuela, digiturbarse, onanismo... jalarle el cuello al ganso. Algunos otros adjetivos que han usado los hombres son paja (más usado por los españoles que por los mexicanos), limpiar la tubería, Bartola, peinarse, sube y baja, cusquiarse, menear la salchicha, ordeñar el cabezón de leche, matar la vaquita, echar un cinco contra uno y el que pierde escupe, manfinfla, hacerse un solitario, sacudir la sardina, hacer fuego, mano a mano con el cíclope, pulirle el casco al soldadito, ordeñarse, bombear leche, cachetearla un rato, hacer justicia por propia mano, darle al salchichón, menear el chino tuerto, reventarse el esfínter, sube y baja el periscopio o el paraguas, airear el pajarillo, pelar la banana, hacer vomitar al calvo, hacerse una Makokis, chaira, japirusa, fufársela, hacer bailar al soldadillo, dar brillo al calvo, etc.

Y para ser incluyentes: Palabras más usadas por las mujeres: hacer como un DJ o jugar al DJ, un Sub-Zero, dedito, dedearse, un tribilín, meterse el dedo, leibarse, mover la ficha del parchís, colarse el dedo, tocar la campana, buscar a Nemo, reventarse el coño, clickear el mouse, meterse la punta, contar billete, chantarse la vela, echarse la pomada, conteo inglés, discjockear, tocar el contrabajo, masajeaar lo blando, hacer el "Spiderman", tocar el arpa, petarse el chocho, hacerse un "dedillo", darse un "dos de bastos", tocarse el chochete, saludar a su amiguito, D.D.O., gatillarse...

Y ahora extracto de un texto publicado en el periodico el País:

6 razones por las que Lalo Tex era un rockero mexicano fuera de lo común.

1. Sus letras hablan de la realidad del chilango.

Además de cantar canciones sobre rebeldía y la lucha contra el sistema, Lalo Tex contaba en sus canciones las situaciones cotidianas del mexicano que viene de un origen rural y popular. Lo hacía de forma directa, simple y sin analogías complejas, algo que hacía que su público conectara con él de inmediato. "Artesano de la construcción", "Un toque mágico" y "El hijo desobediente" son claros ejemplos de esto.

2. Su sentido del humor creaba un ambiente más cercano. Lalo Tex utilizaba su sentido del humor para detonar las risas de su público a través de los chistes, un poco de albur y referencias autocríticas sobre su estilo de tocar, su apariencia o la edad. Al Muñeco mayor se le recordará por sonreír e incitar las carcajadas del público.

3. Su vestimenta nunca fue la de un rockero convencional. Cualquiera que viera una fotografia del músico podía decir que se trataba de un cantante de corridos. Las camisas coloridas norteñas, botas y el sombrero vaquero contrastaban con las chamarras de cuero y los lentes oscuros que algunos de sus contemporáneos usaban.

4. Su estílo musical integraba la tradición vernácula mexicana. La música que El muñeco hacía con los Tex Tex es catalogada como rock, sin embargo lo que los hacía diferentes era la integración y mezcla con otros géneros como el country, blues y música mexicana ranchera o el bolero. El tema "Súbete al tren", por ejemplo, es un bolero ranchero mezclado con acordes de rock.

5. Su carisma y calidad humana se hacían evidentes en todas sus presentaciones. Más allá de ir a ver a un roncanrolero tocar, cuando se presenciaba un concierto de los Tex Tex, escuchar y ver el desempeño de Lalo en el escenario daba la impresión de estar viendo la tocada de un amigo.

6. Su versatilidad para llegar a un público diverso. A diferencia de algunos representantes del rock nacional, Lalo y los Tex Tex tocaban en cualquier tipo de escenarios, no solo para un público adepto al rock. Podías verlos en parques o foros de Texcoco, en talk shows o en festivales masivos como Vive Latino.*

*https://verne.elpais.com/verne/2016/01/18/articulo/1453148014_255185.html

- Arte adicional:

Portada CD reedición, Distribuidora Rilo's

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Artista: El Tri

Álbum: Hecho en México

Año: 1986

Género: Rock

País: México

Fuente de análisis: LP original (1986), Comrock [LRM2012]

Lista de canciones:

LADO A

1. Hasta que el cuerpo aguante

2. La balada
3. Era un mar
4. Mente roquera

LADO B

5. Nunca digas que no
6. Enciende el cerebro
7. Una y otra vez
8. F.Z. 10

El Tri es:
Mariano Soto - batería y percusiones
Arturo Labastida - sax y flauta
Sergio Mancera - guitarras (acústica, eléctrica, slide)
Alejandro Lora - bajo, vocales

Sobre el disco (por Adán Escamilla del blog http://threesouls.blogspot.com/):

En 1986 se dejó aparecer, de nuevo bajo el sello Comrock, el segundo disco de El Tri, que en esta ocasión nos aclara que son las siglas de "Trabajadores Rock'n'roleros Institucionales", y con el nombre de "Hecho en México" nos presenta una colección de rolas bastante bien ejecutadas, acopladas y hasta fusiladas. Arrancando del lado A con "Hasta que el cuerpo aguantes", "La balada", "Era un mar" y "Mente roquera". Y del lado B se refinan "Nunca digas que no", "Enciende el cerebro", "Una y otra vez" y "FZ-10". Cabe mencionar que las tres primeras aparecen con el crédito Lora-Mancera, la cuarta, quinta y sexta no más de Lora, la séptima de Lora-A.Limón, y la última, Lora-J. Cruz.

La alineación fue de Alex Lora en el bajo y la voz, Sergio Mancera en guitarras y slide-guitar, Arturo Labastida en saxofón y flauta, y Mariano Soto en los tamborazos. Como músicos invitados estuvieron Tarzán (Rafa Salgado) en la armónica, Alex Velázquez y Luis Ramírez en las trompetas, y Mario Ramírez como arreglista en los metales de FZ-10. Destacado el trabajo de portada de Fink, quien regresa a las andadas luego de su arte en los discos "Viejas rolas de rock" y "Renovación moral" del Three Souls, y presenta un diseño de poca de la República Mexicana en forma de guitarra, y con recortes por todos lados hablando del Tri; pero ya no sabemos si del grupo rocanrolero o de la selección nacional. Igual y podría confundirse, con excepción de la frase "No es lo mismo el Tri de Lora que el Tri de Bora".

Y ya que hablamos hace un momento del Three Souls y de los fusiles mencionados al principio, es prudente señalar que "Mente roquera" no es otra canción más que "Rock n' roll blues", con un arreglo más acelerado y una introducción aparentemente sin sentido que suena mucho a La Pantera Rosa. No podemos afirmar que sea ese tema, porque finalmente nunca le dan crédito al creador del mismo, Henry Mancini. También tenemos por allá una nueva versión igual más acelerada y menos trabajada de "Una y otra vez" que apareció en el primer LP del Three Souls. Para esta nueva presentación se le eliminaron acordes, no hubo órgano de fondo y mucho menos la parte hablada del final.

Sin embargo, en lo personal podría decir que éste es el disco mejor logrado del Tri de México, porque no sobra ningún solo, ya sea de trompeta, saxofón, armónica o guitarra. No se exagera en ninguna parte de las ejecuciones y los instrumentos están precisos, en su lugar, sin abusar de ellos. Tal vez "Hecho en México", junto con "Niño sin amor" fue la cúspide del trabajo del Tri, que nunca habría vuelto a lograr este nivel de calidad. Por cierto, recuerdo haber leído en alguna revista que algunos fanáticos, en relación con la canción "Hasta que el cuerpo aguante", criticaron a Lora por haber hecho este tema nuevamente de una desgracia ("el día que la Tierra se movió miles dejaron de existir", refiriéndose al terremoto de 1985), y le preguntaban qué nueva tragedia iban a musicalizar para los siguientes discos porque en el anterior se refinaron San Juanico '84, y Alejandro dijo que esa no era la idea, que fue una canción que salió al momento, y que no se pretendía estar tomando tragedias para hacer rolas... Como que eso se le olvidó, según pudimos confirmar recientemente con la canción de la guardería ABC... ¡¡Se aceptan comentarios complementarios!!

Comentario adicional: Javier Batiz cuenta que el diseño de la guitarra en forma de la república mexicana es idea de él, la cual fue pirateada por Fink. Batiz le pidió a Fink que la hiciera en madera para una guitarra de verdad, la sorpresa fue que Fink la utilizó para el diseño de la portada de este LP del Tri.

La introducción de "Mente rockera" sí es el tema de La Pantera Rosa, aunque no se da el crédito en este LP, sí se le da en el Sinfónico. La rola "Una y otra vez" en el primer LP del Three Souls incluía en los créditos a Ernesto de León, para el "Hecho en México" ya no se le da crédito. El comentario de la rola "Hasta que el cuerpo aguante" esta en una revista de la "Trimania en Perú". No es casualidad lo de el Tri de Bora y el Tri de Lora, el diseño del LP juega con lo mexicano ejemplo: "Hecho en México", el águila de los productos hechos en México, los colores del PRI o de la bandera nacional en las letras T R I, el mapa de la república mexicana y por ultimo emuladores de recortes de periódico con noticias de ambos TRIs: la selección nacional que empezaba a ser llamada El Tri, por la hueva de los periodistas de escribir la selección nacional, y El Tri como grupo de rock.

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Artista: Los Morales

Álbum: Canciones inmorales

Año: 1986

Género: Folclor, Canción popular

País: México

Fuente de análisis: LP original (1986), Discos Tecolote/Pentagrama [LPP-041]

Lista de canciones:

LADO A

1. El elefante

2. El baile de Federico
3. La Charchina
4. La tienda
5. Querreque

LADO B

6. San Marqueña
7. El chico temido
8. La Manuela
9. Los Pinzones

Sobre el disco:

El trío Los Morales son una auténtica institución de la música mexicana por la variedad de géneros y estilos que dominan, su destreza como músicos, su pulcritud como ejecutantes, multinstrumentalistas y reconocidos como compañeros musicales en diversas grabaciones de grandes interpretes como Amparo Ochoa, Eugenia León y por supuesto la magnífica asociación que formaron con Óscar Chávez por más de 40 años.

Para este disco deciden interpretar por su cuenta algunas canciones llenas de humor, picardía y doble sentido, o para ser más específicos, llenas de albur. Este juego de palabras en doble sentido, tan típico sobretodo en la capital del país, con connotaciones sexuales en la que se trata de "someter" al oponente en este duelo verbal rematando con la mejor respuesta, que deje callada a la otra persona o de la cual ya no pueda dar mejor réplica.

El albur lo comenzó a emplear en sus canciones el gran Chava Flores quien lo usaba como elemento principal en sus composiciones, lo que hizo muy reconocidos varios de sus temas entre la gente de los barrios populares, pero no tanto así para el resto del público, pues estas canciones eran prohibidas para su difusión de manera masiva por lo "vulgar" o escandalizante de sus letras. Es precisamente de él de quien retomaban varias de sus composiciones para re-interpretarlas a su estilo el trío Los Morales.

Como mencionaba, parte de su estilo radica en la pulcritud del grupo para ejecutar sus instrumentos, así como la solemnidad de sus interpretaciones, con el empalme de sus voces en armonía, que contrasta con lo humorístico y relajiento de las letras, lo que hace aún más cómicas las canciones. Y menciono particularmente esta característica ya que pareciera que varios cantores y ejecutantes de música popular hoy en día piensan que entre más feo cantes y más desafinado o atropellada sea tu ejecución de un instrumento, más auténtico es el folclor. Como si éste tuviera prohibida la evolución o el sonar bien para no perder su "autenticidad".

Además de los temas de Salvador Flores como "El baile de Federico" (también conocido como "El baile de Tejeringo"), "La tienda" (alias "La tienda de mi pueblo") y "El chico temido", se suman algunos clásicos de lo más picaresco del folclor nacional como el "Querreque", "San Marqueña" y "Los Pinzones" (o también llamada "Los hermanos Pinzones").

Editado en 1986 por el sub-sello Tecolote, de discos Pentagrama, con una portada diseñada por el mismísimo Rius y producido por Óscar Chávez, este es un magnifico álbum para divertirse y pasar un buen rato, el cual expone el lado más inmoral del unos de los mejores músicos del folclor de nuestro país, Los Morales.

Un último punto que me gustaría hablar, aprovechando que se está publicando este disco, es sobre la falta de calidad en que se están subiendo ciertos materiales en los sitios de 'streaming' o plataformas digitales en general, pues al parecer se suben los mismos archivos en todas. Por ejemplo si buscan este disco en la plataforma digital de su preferencia notarán un sonido más opaco, menor nitidez en las voces e instrumentos, no sé si producto de una mala mezcla o una mala digitalización, masterización o lo que sea que le hagan a estos discos antes de subirlos. En cambio escuchen la calidad de la grabación que ofrecemos aquí para que perciban la notable diferencia. Y no sólo ocurre eso con este material, sino con varios de los que hemos publicado (y los que faltan). No sólo es cuestión de calidad los archivos de audio (las frecuencias contenidas) sino de los puntos antes expuestos. Ojalá que las disqueras o quienes se encargan de subir esos materiales se preocupen más en dichos aspectos de calidad del audio en los discos que ofrecen.

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Artista: Carlos Arellano

Álbum: En vivo en el Teatro Ciudadela

Año: 1991

Género: Folk rock

País: México

Fuente de análisis: Caset original (1991), Metztli [-]

Lista de canciones:

LADO A

1. Balada para los hombre de poder

2. Preguntando desde un octavo piso

3. A la vuelta de la esquina

4. A la caza de los dragones

5. Nunca dejaré que te vayas

LADO B

6. Ella

7. Enamorado de una frívola estrella

8. Con un misil en la nuca

9. El gato de azotea

10. Treintañeros

Sobre el disco:

Grabación en directo de Carlos Arellano, la cual se editó únicamente en formato de caset, en 1991. Consta de diez canciones de las que se encuentran en sus dos primeros discos publicados hasta esa fecha, "Canciones domésticas" (1986) y "El baile de las cosas" (1990), pero interpretadas por Carlos solo, con su guitarra electroacústica y su voz, como se presenta él normalmente. La canción "A la vuelta de la esquina viene a ser un adelanto de lo que grabaría para su tercer disco Nada en su sitio (1994).

La grabación definitivamente no es la mejor en cuanto a calidad de sonido, los tonos de la guitarra con efecto de reverberación pueden llegar a cansar al escucha, por el exceso de tonos agudos. La voz sólo presenta un leve efecto de reverberación y delay para acompañar las interpretaciones de Arellano, que en directo capturan mejor la emoción de sus canciones.

Ningún tema se siente que baje su calidad debido a la falta de instrumentación. De hecho algunos temas como "Ella", a mi parecer, mejoran en esta simplificación de instrumentos y con el sonido de la guitarra con más ambiente. Por cierto, aunque siempre procuramos dejar intactos los archivos de audio tal y como vienen de su fuente, en el caso de esta canción se realizó un pequeño ajuste, pues en una sección se pierde señal de uno de los canales de la grabación (seguro un error técnico ocurrido en directo).

Esta grabación fue entregada a Carlos Arellano por José Iglesias, guitarrista de Real de Catorce, con quienes al parecer compartió escenario. A continuación el comentario de Carlos Arellano respecto al origen de esta grabación, contenido en las notas de esta cinta:

Aquella noche fui a tocar sin saber que se grabaría. Al término del evento y ya de salida del teatro, Pepe Iglesias me regaló el caset con la grabación que ahora escucharás, por lo que no puedo menos que agradecerle a él y al resto de Real de Catorce, su iniciativa. Durante casi ocho años la guardé, pensando, un año sí, dos no, en publicarla.

Ahora me decido, porque... no sé bien... tal vez porque contiene una dosis importante de emoción que en las grabaciones de estudio nunca he encontrado.

Deficiencias de sonido aparte, va para ustedes. Una tocada que tuvo como ingredientes principales mucho público y muy cálido, un músico iniciando su recorrido -que está por terminar- como treintañero, poca tecnología, pero como dice el bolero: "mucho corazón".

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Artista: Real de Catorce
Álbum: Azul
Año: 1997
Género: Rock
País: México
Fuente de análisis: CD original (1997), Discos Pueblo [CDDP-1169]

Lista de canciones:

1. Mujer sucia
2. La medicina
3. Malo
4. Pago mi renta con un poco de blues
5. Blues del atajo
6. Azul

Real de Catorce - Al rojo

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Artista: Real de Catorce
Álbum: Al rojo
Año: 1997
Género: Rock
País: México
Fuente de análisis: CD original (1997), Discos Pueblo [CDDP-1170]

Lista de canciones:

1. Al rojo de la tarde
2. Lobo
3. Beso de ginebra
4. Patios de cristal
5. Un par de ojos
6. Presentación
7. Esta noche

Real de Catorce:
José Cruz - voz, armónica, slide, guitarra eléctrica
José Iglesias - guitarra eléctrica
Juan Cristobal Pérez Grobet - bajo
Fernando Ábrego - batería

Sobre el disco:

Definitivamente mis discos favoritos en vivo del rock mexicano y en general de mis grandes favoritos de rock en vivo internacional, pues el grupo no le pide nada a ninguna banda extranjera. Esta dupla de álbumes del Real de Catorce son prueba contundente de la gran calidad del grupo a quienes muchas veces el nivel de sus producciones discográficas no les hacían justicia. Solos los cuatro integrantes son capaces de elevar el nivel de sus canciones en estudio (con músicos invitados, arreglos más ambiciosos y aprovechando las herramientas de grabación) pues aquí despliegan toda su energía contenida, conectando con su audiencia para esta catarsis de blues eléctrico.

Contiene todos los elementos que un buen álbum en vivo debe contener, renovadas y hasta mejores versiones de sus canciones; excelente interacción con el público, quien juega un papel fundamental en el nivel de esta clase de discos por su participación y entrega con el grupo. Todos los integrantes se lucen en su ejecución e interactúan formidablemente entre ellos, con duelos entre instrumentos, llamados y respuestas. Sin las restricciones que parecieran ponerse para sus solos en estudio, aquí se dan vuelo derrochando talento. Aunque todos los integrantes son auténticos maestros de su respectivo instrumento, es particularmente un deleite escuchar a la mejor armónica del rock mexicano, un auténtico derroche de ingenio y talento: hocico de oro el maestro José Cruz. Y que decir de su poesía que de igual manera se explaye en sus canciones, en introducciones e interludios. Su voz tengo la impresión de que luce mucho más en vivo pues sus interpretaciones van cargadas de mayor emotividad.

Por supuesto que no hay que olvidar que este disco significó la despedida de un grande de la guitarra eléctrica, un músico talentosísimo que también llegó a tocar la flauta de manera sobresaliente en algunas piezas del grupo, el siempre infravalorado José Iglesias. Aquí se compila parte importante de su trabajo, de los primeros capítulos del grupo que son sus primeros cinco discos, donde destaca su habilidad en los requintos para estas versiones en vivo, particularmente en canciones como "Pago mi renta con un poco de blues", "Azul", "Lobo", "Un par de ojos" y "Mujer sucia". Estos discos dejan constancia de su legado y de su gran capacidad, pues después saldría del grupo dejando en su lugar a uno de sus alumnos, Julio Zea, quien también escribiría una historia importante con el Real.

Una auténtica joya este material que vale la pena oírlo una y otra vez, un disco tras otro, la verdad es que ni siquiera importa el orden en que se reproduzcan, pues yo siempre tuve la costumbre de oírlos al revés (primero "Al rojo" y luego "Azul"). De hecho también funcionan como discos individuales, pues cada uno tiene su final, así como sus respectivos puntos de clímax. Una prueba contundente de que el Real no sólo son la mejor banda de blues del país, sino también (muy a mi percepción, por su legado, exploración musical y calidad constante en todos los ámbitos) el mejor grupo de rock de México.

Los dejo a continuación, para complementar, con un texto de José Luis García Fernández, de la revista electrónica Cultura Blues*:

Los dos discos en vivo que forman parte de la discografía de Real de Catorce: Azul y Al Rojo, fueron grabados en el lugar de sus exitosas presentaciones: Rockotitlán, y resultaron ser como un homenaje – despedida de su guitarrista fundador, José Iglesias.

A mi parecer son los dos discos con más dosis de blues de toda su obra, reflejan perfectamente lo que hacían en cada una de sus presentaciones, simplemente espectaculares. Las versiones en vivo de los 13 temas que aparecían en sus discos anteriores, son superiores en calidad e intención interpretativa. Además se puede apreciar el contacto de José y la banda con su público. Un importantísimo testimonio, que deja en claro la grandeza de su proyecto musical.

- AZUL

"Mujer sucia", un tema de su primer disco, pero en una versión infinitamente mejor, muy rocanrolera con un Iglesias inspirado, un bajo machacante haciendo recordar por momentos a "Peter Gunn".

"La medicina", la armónica comienza con una sonoridad de notas bajas, imitando a un sax, que da la pauta a una bellísima introducción. La pieza en todo su esplendor con la sutil sensualidad que la caracteriza. También superior a la original del disco Tiempos obscuros.

"Malo", de Mis amigos muertos, esta canción toma una nueva forma, fiel a la original, pero magistralmente interpretada, armoniosamente sencilla pero a la vez gozosa.

"Pago mi renta con un poco de blues". “Ya pagaron su renta”, es la pregunta de José a su público que se le entrega con gritos como “Eres un poeta”, para dar inicio a una larguísima y fabulosa versión de este blues/jazz, que pone en claro la calidad musical de cada uno de los integrantes de la banda. En especial la guitarra de Iglesias y desde luego la armónica y poesía de Cruz. Sin demeritar para nada la sección rítmica a cargo de Abrego y Pérez Grobet. La original viene en Voces interiores.

"Blues del atajo", sin dejar un respiro aparece esta versión con una alta dosis de calidad extremadamente bluesera. Sinceramente, de lo mejor de la banda en todos sentidos. El protagonista: el slide guitar que suena a lo largo de la rola, cuya versión original pertenece al CD Contraley.

"Azul", prácticamente una versión de antología con todo el poder del mejor momento del Real de Catorce, que a muchos nos hubiera gustado que se hubiera mantenido hasta la fecha. Un himno bluesero en toda su extensión, derivado de su primer disco, da un final espectacular (incluído un solo de batería), a esta obra maestra.

- AL ROJO

"Al rojo de la tarde", mejor inicio de este segundo disco en vivo no pudo ser mejor, insisto en percibir y comentar que son versiones sobresalientes a las originales que en este caso se encuentra en Tiempos obscuros. Un blues espléndidamente bien logrado.

"El Lobo", una versión extendida de esta canción extraída de su primer disco, también muestra mejora en la instrumentación e intencionalidad. El pop-rock ochentero del tema original se transforma en algo mucho más moderno y atemporal.

"Beso de ginebra", esta puede ser la excepción a los comentarios de las versiones en vivo, en este caso la interpretación está muy cercano a la original de Contraley, quiero decir con la misma estructura y calidad, en especial se destaca la armónica al final del tema.

"Patios de cristal", espectacular rola de por sí, pero luce mucho más tocada en vivo en cualquier concierto, de hecho parece estar arreglada para tal fin. Del disco Mis amigos muertos… es una versión extendida.

"Un par de ojos", este rock-blues inicia con un largo solo de armónica, extraído de Tiempos obscuros, vuelve aplicar para mi gusto, que se trata de un versión mucho mejor que la original. El juego de improvisaciones de guitarras y armónica, la hace especial.

"Presentación", aunque este track sólo se trata de la presentación de la banda, es importante escuchar a José Cruz haciéndolo y diciendo… “gracias a ustedes… Real de Catorce está vivo”.

"Esta noche", para culminar el disco en esta su segunda parte, nuevamente escuchamos al Real verdaderamente bluesero, en esta versión que supera cualquier especulación al respecto que si lo que hacía la banda era blues o no.

*http://www.culturablues.com/2014/06/jose-cruz-y-real-de-catorce-discografia-y-canciones-parte-v/

Semanforash%2B-%2BLo%2Bimpredecible03112

Artista: Semanforash

Álbum: Lo impredecible

Año: 1980

Género: Jazz

País: México

Fuente de análisis: CD reedición (2006), Orfeon Videovox, S.A. [CSM-215]

Lista de canciones:

1. Inocencia

2. El jinete

3. La danza del juego

4. El extranjero

5. El matador

6. La broma

7. La despedida

8. Correo negro

9. Katherine

10. Dedicación

11. Al atardecer

12. Barrio chino

13. Taratatatata

14. Tema II

15. Tema V

16. Tema IX

17. Al amanecer

Músicos:
Francisco Mondragón Río - guitarra
José Luis Chagoyán "Hopalong" - bajo
Fernando Barranco - batería

Sobre el disco (por Antonio Malacara):

El guitarrista Francisco Mondragón, uno de los músicos más importantes y prolíficos de la segunda generación de jazzista mexicanos, falleció el pasado jueves 30 de septiembre (de 2004), después de tres meses de habérsele detectado cáncer en el hígado. No obstante la gravedad y lo repentino de su enfermedad, Francisco Mondragón se fue tranquilo, oyendo música en su departamento de la colonia Polanco, gracias a una terapia de medicina naturista a la que se sometió una vez detectado el mal. Le sobreviven su hermano Luis y sus hijos, Francisco y Sebastián, de 27 y 6 años respectivamente.

Francisco Mondragón Río nació el 31 de marzo de 1953 en la ciudad de México. La holgada situación económica de su familia (su abuelo, Luis Río Chimal, fue tesorero general de la nación en el sexenio de Miguel Alemán) le allano gratamente el camino para poder dedicarse a la música desde muy joven, para viajar y aprender de los grandes maestros en Europa y Estados Unidos.

Después de roncarolear con varias bandas en la adolescencia, desde un principio con rolas propias y con Jimi Hendrix como uno de los íconos centrales, en 1969 decidió sumergirse exclusivamente en la dinámica del jazz. Formalmente, estudió guitarra y composición en Inglaterra con Derek Bailey, en Austria con Costa Lukas y en Alemania con Ligheti Darmstadt.

En 1980 presentó su primer disco con el grupo Semanforash, al lado del también desparecido baterista Fernando Barranco, bajo el título de Lo impredecible de Semanforash. Ya como el grupo de Franciso Mondragón aparecieron los elepés Terapia (1982) y The line night shifts (1984).

Un año después comenzó una sorprendente serie de mancuernas con varios de los mejores jazzistas a escala internacional. En abril de 1985 conoció a Jaco Pastorius y juntos trabajaron en Nueva York, en un proyecto titulado Natural, el cual fue editado en 1988 por el sello japonés Diw Records. Yaco González Grau está en el sax tenor y la flauta y Hugo Petersen en batería y percuciones.

En diciembre de 1989 se metió al estudio Interface, otra vez en Nueva York, nada menos que con Archie Shepp, lo que dio como resultado el disco Octuminus (Pulque Records, 1991). Cinco de los seis temas incluidos son composiciones de Francisco y una más de Hugo Petersen, quien repitió en batería; el bajo aquí corrió a cargo de Freddy Williams.

En 1992 presentó el disco de Jazz Trio, con Tom Glass en el contrabajo y Enrique Castro en la batería, pero dada la fuerte amistad que había nacido entre él y Enrique, el disco apareció con Enrique Castro como cabeza del grupo, aunque los temas originales son de Mondragón (uno coautoría con Castro), más algunos Standard de Porter, Coltrane, Reinhardt y Van Heusen.

Al año siguiente, Mondragón rindió tributo a otro amigo, Fernando Barranco (quien había fallecido el 23 de enero de 1986) y editó un álbum doble de Semanforash, Live in Cuasimodo, Berlín (Pulque, 1993), con grabaciones de junio de 1979. Esta producción fue apoyada por la producción Fernando Barranco, la cual está por abrir una fonoteca especializada en jazz en la Ciudad de México.

En 1997 regresó a la dinámica de los duetos internacionales y grabó un set con el vibrafonista Karl Berger y otro con el saxofonista John Tchicai; ambos aparecieron en el disco Ancient civilizations (Pulque, 1999). A esto le siguió uno de sus mejores discos: Human rights (Pulque, 1999), con el bajista Stomu Takeishi. En el 2001 apareció el álbum Panacea, con Enrique Castro, Jesús Gudiño en el bajo y Mauricio Celiz en percusiones.

Finalmente, en 2002, se reeditó Natural, con Jaco Pastorius, que recobró los cuatro temas originales de la edición japonesa más algunos bonus tracks. En estos momentos, Enrique Castro prepara la edición de un álbum póstumo con el título de La Leyenda.

Artista: Juan José Calatayud

Álbum: Jazz barroco

Año: 1969

Género: Jazz, Barroco, Pop

País: México

Fuente de análisis: LP original (1969), Orfeón [LP-12-652]

Lista de canciones:

LADO A

1. Promesas, promesas

2. Arrullo de Birdland
3. Alguien cantó
4. Todo lo que tú eres
5. Laura
6. Lady Madonna

LADO B

7. Eloísa
8. Qué alta está la Luna
9. Preludio en Do menor
10. Hey Jude
11. Preludio en Re menor

12. Caminando por la sexta avenida

Sobre el disco:

El Jazz y la música Barroca, algo que parecería que no combina pues pertenecen a diferentes épocas, cosa más falsa, pues resulta que viéndolo bien o (escuchándolo bien) uno de los grandes músicos improvisadores al teclado fue el mismísimo Bach; y Juan José Calatayud estudió música en el conservatorio y por supuesto que tocaba a Bach. Gracias también a Gershwin (George), el de "Rapsodia en azul", su gusto por el jazz comenzó y posteriormente decidió dedicarse a la música popular, más concretamente al jazz, para lo cual forma un trío llamado 3.1416 ( si ese Pi o π que está detrás de incontables patrones circulares, esféricos y cilíndricos: en la forma del planeta Tierra, el pay que cortas a la hora del postre, la glorieta que rodeas para corregir el camino, en el ángulo del Sol a determinada hora del día, en el diámetro de los tubos que traen el agua del sistema Cutzamala hasta la Ciudad de México).

En fin, formó su trío el, al piano, Alfredo Farid Marichal, en la batería y Fernando Sánchez Madrid en el contrabajo. Gracias a que tenía un cuate en la administración del Palacio de Bellas Artes ahí tocará incontables veces, y el disco que nos convoca ahora, fue precisamente el resultado de una presentación en dicho palacio (se anexa nota publicada en la revista Bellas Artes de 1969, fecha de grabación de este disco).*

Algo que vale la pena subrayar, el nombre del disco es Jazz barroco, , pero… realmente son 5 standards (así les llaman a las canciones que tocan todos los jazzistas y son muy conocidas, 3 canciones pop, 2 rolas de los Beatles [le gustaban mucho y siempre interpretaba algo de ellos]) y 2 piezas del barroco, del mismísimo Bach. La instrumentación básica; piano, bajo y batería, pero en los arreglos incluye instrumentación barroca: violines, oboe y clavecín. Pero bueno vamos por partes o por piezas.

La primera rola, "Promesas, promesas": rola de Bacharach, compositor muy conocido por sus éxitos en canción pop y música para películas, abre, presenta el tema de manera formal y a la mitad de la canción comienza a ser más presente la batería y el bajo y al final un poco más jazzeado, es la introducción.

2do tema, "Arroyo de Birdland": la introducción muy al estilo barroco con las notas saltarinas muy de la época y el bajo obstinato apoyando. A la mitad de la canción se escucha claro el walking del bajo totalmente jazzeado, un puente, intercambia frases al estilo barroco y al estilo jazz, es muy evidente el cambio rítmico de cada frase.

Tercera rola, "Alguien cantó": canción romántica, presenta el tema el piano acompañado de violines, después de la primera estrofa aparece un oboe muy usado en la época barroca, y se van alternando entre el romanticismo de la canción y los toques del oboe melosamente acompañados por los violines.

4.- "Todo lo que tú eres": Rolita estándar, nuevamente el saltarín toque del piano al estilo barroco y los violines románticos y el bajo. repentinamente a media pieza un redoble de batería y comienza la improvisación y el desarrollo al estilo jazz y fraseo barroco. Al final regresa la alegre canción, todos un poquito revueltos para terminar en lánguido romance. Snif snif.

5.- "Laura", canción más parecida al estilo romántico en toda su introducción, tal vez debido a que la forma canción es más cercana al romanticismo, y así hasta la mitad de la pieza, luego el piano anuncia la entrada de la batería y el bajo y comienza el jazz, es muy notorio el swing y la forma de ataque del piano más punteado.

6.- "Lady Madonna", debilidad personal de Calatayud, pues en casi todas sus presentaciones incluía algo de los Beatles. Comienza un pastoral con los violines entra la batería y el bajo y la canción se transforma en una rola muy barroca, cualquiera diría que la hizo Vivaldi, aunque a la mitad, el swing da entrada y se van alternando y mezclando el barroco, el jazz y la canción pop.

7.- Ahora una canción pop, muy sonada en 1969 gran éxito de Barry Ryan, "Eloísa". Los roqueros más fresones recordaran la rola, era imposible no escucharla, hasta los perros la tarareaban. Y supongo que… bueno, el disco de Calatayud sale en ese año, así que no está demás darle un empujoncito con una rola tan escuchada.

La entrada muy conocida y de repente la sorpresa, entra el piano junto con el oboe y después de la primera frase entra batería y todo se transforma, una pieza no mala, con un acompañamiento rítmico de jazz, un piano muy barroco junto con el oboe, a la mitad de la canción, el tema con el oboe y los violincitos; el piano haciendo algo más contemporáneo pero con el bajo continuo jazzeado, la tercera parte preciosa para regresar al tema, alegre, saltarín, el mismísimo Barry debe haber llorado de emoción por el arreglo que hizo el SEÑOR Calatayud de este no mal tema convertido en un rolón muy contemporáneo.

8.- "Qué alta está la Luna": Nuevamente regresamos a una rola canción muy romántica y alegre, una vez presentado el tema vemos por que los estandars son tan socorridos, da casi lo mismo el tema, la armonía de esas canciones permiten desarrollar excelentes solos en jazz.

9.- De repente aparece el jefe de jefes, el mismísimo Bach con su "Preludio en Do menor", el tema lo presenta el clavecín, entran bajo y batería, se siguen jazzeando con el clavecín, vale la pena escuchar la nota Blue y las apoyaturas alternando el estilo barroco del clavecín con bajo y batería de jazz.

10. -Lánguidamente pasamos a la romántica "Hey Jude" de los Bitles, con esos toquesitos arrastrados del piano, los violines barrocos haciendo melodía y el piano jazz dando punteos. subrrayando y coloreando, el mismísimo McCarney se le debió haber hincado agradecido.

11.- Regresa el jefe Bach, se presenta nuevamente el tema con clavecín y batería con fraseo de jazz barroco, el bajo continuo apoyando, a la mitad tres acordes anuncian el cambio y la improvisación del piano con acompañamiento del clavecín, regresa el tema barroco para finalizar muy al estilo.

12.- "Caminando por la sexta avenida", nos vamos con este estándar clásico violines y bajo haciendo la marcha por la avenida y el piano cantarín retozando. A mitad de la canción nuevamente el tema y cambiamos el paseo, a la improvisación, vamos yendo a casa tranquilamente y felices de haber terminado con la labor encomendada.

Esto es el mismísimo J J. Calatayud en 1969 en el palacio de Bellas Artes.

*Una nota que salió en la Revista de Bellas Artes en abril de 1969 mencionando sobre la presentación que se llevó a cabo el 23 de abril en la sala Manuel M. Ponce del pianista nacido en Córdoba Veracruz Juan Jose Calatayud, junto con Alfredo Marichal en la batería y Hector Hernández en el contrabajo dieron un concierto de jazz con arreglos a música de Johann Sebastian Bach, ese mismo año Calatayud sacó con la marca Orfeón el disco de Jazz Barroco, en el que incluye -entre standards ("Todo lo que tú eres", "Laura" ), piezas de los Beatles como "Lady Madonna" y éxitos del momento como "Eloise" de Barry Ryan y un par de preludios de Bach.

Oscar%2BBrand%2BCelebrates%2BThe%2BFirst

In what may be a first, I actually found a full Thanksgiving album this year that I can share with you. I suspect there are plenty of things like this out there, but this is the first one I've found. Oscar Brand was kind of a folky performer who released a bunch of LPs in the Sixties on Audio Fidelty that you've probably seen at the thrift stores and not paid much attention to. Then he switched to Elektra for another long series of albums that turn up occasionally, but not as often. After that, he shows up in a lot of weird places. I didn't know until this year that one of those places was Caedmon, a label usually known for their spoken-word stuff. This record features a lot of talking between the songs, but there is still plenty of music here. I also discovered that he did a Christmas album either right before or right after this one, but I've never seen it. If anyone has a copy they want you send me, drop me a line, I'd love to hear it! This is Oscar Brand With Jacqui And Bridie, Eric And Anthony-Oscar Brand Celebrates The First Thanksgiving In Story And Song (Caedmon TC 1513, Stereo, 1978). This was a library copy, so please excuse the tears on the front cover and the stickers on the label. Sometimes you have to be happy with what you find.

1. Oh, Give Thanks
2. Bold Robin
3. Listen To The Bells
4. Listen To The Bells-Reprise
5. The Sails Are Set
6. Malbroek-Marlborough
7. Three Young Maidens
8. I'm Going For A Journey
9. The Sails Are Set
10. Henry Martin
11. Thanks To The Lord
12. The Little Mohee
13. Indian War Song
14. This Great World
15. Three Merchants
16. Green Broom
17. The Jolly Huntsmen
18. The Shucking Of The Corn
19. Indian Thanksgiving
20. Oh, Give Thanks-Reprise

MEGA

Catálogo: EMI-Regal 1J 048-80219
Edición: 1969
País: España

Cara 1
01 Serenata a la luz de la luna
02 En forma
03 Jarrita marrón
04 Tuxedo Junction
05 Collar de perlas
06 Patrulla americana

Cara 2
07 Marcha de St. Louis Blues
08 Serenata del amanecer
09 Pensylvania 6-5000
10 Chatanooga Choo Choo
11 Adiós

Three Souls In My Mind - Chavo de onda

Enmedio - Vale ver

Francisco Barrios "El Mastuerzo" - Prohibido

Leticia Servín - Sueño rock

Newspaper - Rock

Toño Quirazco - Jamaica ska

Eblen Macari - Música para planetarios

Varios - Música prehispánica y mestiza de México

Enigma - Enigma (El morado)

Tex Tex - Perdidos

Varios - Easy melodías

Tex Tex - 3

El Tri - Hecho en México

Los Morales - Canciones inmorales

Carlos Arellano - En vivo en el Teatro Ciudadela

Real de Catorce - Azul

Real de Catorce - Al rojo

Semanforash - Lo impredecible

Juan José Calatayud - Jazz Barroco

Non-Traditional Thanksgiving

The Golden Royal Orchestra: Grenn Miller Sound